대체 무슨 일이 일어나고 있는가? 국내에선 '응답하라' 시리즈가, 해외에선 <기묘한 이야기>가 그러했듯 근현대를 배경으로 삼은 영상 매체들이 도착적으로 보일 정도로 해당 시대의 문화적 요소들을 과시적으로 배치했을 때도, <시그널>이 2.35:1 비율의 영상을 16:9로 스트레치해 아날로그 시대('를 다룬'이 아닌)'의' 영상을 구현했을 때도, <라 라 랜드>가 최후반부의 회상에 디지털 카메라도 아닌 8mm 필름의 화면을 사용했을 때도, '구닥 캠(Gudak Cam)'이라는 아이폰 애플리케이션이 필름 카메라의 영롱한 색감을 모방하는 선에 그치지 않고 3일 뒤에 사진을 확인할 수 있는, 그것의 번거로움마저 모방했을 때도 이 질문을 명확하게 떠올리지는 않았다. 이전 시대의 복고와는 다른, 괴상한 복고의 징후가 소위 '포스트 미디엄 시대'의 여기저기서 엔트로피처럼 번지고 있다고만 생각했다. 

그러나 <카드캡터 사쿠라>와 <프리크리>의 시퀄이 공개된다고 했을 때, <교향시편 에우레카 세븐>의 본편 10년 전 사건인 '퍼스트 섬머 오브 러브'를 다룬 프리퀄이 극장판 삼부작으로 제작된다고 했을 때, <봉신연의>가 애니메이션 20주년을 맞아 리메이크를 제작한다고 했을 때, <은하영웅전설>이 여명편부터 새롭게 애니화한다고 했을 때, 무엇보다 유아사 마사아키가 넷플릭스에서 데빌맨 리메이크를 연출한다고 했을 때, 그리고 이 아니메들이 2018년에 제작 혹은 공개된다고 했을 때 나는 이 혼란스럽게 펼쳐진 성좌들이 그리는 과거의 형상 앞에 멍하니 서서 이렇게 중얼거릴 수 밖에 없었다. 대체 무슨 일이 일어나고 있는가? 나는 여기서 이 질문을 재패니메이션에 한정시켜 진행하고 싶다.

이 현상은 분명 어떤 변화의 양상을 띠고 있다. 향수라는 욕망이 문화에 투영되던 양식으로서의 복고에 그치지 않고서 말이다. 허나 여기서의 변화란 '진보'가 아니라 '진화'에 불과하며, 오히려 철저하게 반 진보적으로 진화하는 중이다. 우리를 둘러싼 환경은 어디론가 회귀하고 있다. 여기서 중요한 표현, "어디론가". 정확한 좌표의 서술이 부재하는 단어. 선술한 애니메이션들의 명단의 나열만 보더라도, 이 예기치않은 리부트 현상이 특정 세대가 기성 사회에 안정적으로 편입한 결과 때문이라고는 쉬이 말할 수 없다. 간단하게 제작 연도를 비교해보자. <데빌맨> 시리즈가 마지막으로 영상화된 것은 요조시레누편 OVA가 발매된 1990년이었다. <은하영웅전설> 애니메이션판의 마지막 외전 OVA와 <카드캡터 사쿠라> TVA가 제작된 것은 1999년이었으며, <교향시편 에우레카 세븐>은 2005년에 공개된 작품이다. 

여기엔 약 15년이라는 간극이 있다. 보다 정확히 말하면, 최소 15년의 간극이 있다. 구체적인 공통분모 없이 '과거'란 이름으로만 묶이는 이 간극. 헌데 이 간극을 무시하고 이 현상에 대해 말을 얹는 것이 가능할까? 이 현상은 '토토가'가 아니다. 특정 세대에 호소하기 위한 기획이라고 말하기엔 그 타겟으로서의 '특정 세대'가 정확히 무엇인지 가늠할 수 없다. 그렇다면 대상을 무한히 넓힌 타겟팅을 취해 명작의 귀환이라는 명목으로 다양한 시대의 작품들을 동시다발적으로 여기에 다시 불러오고있다 보는 게 좋지 않을까? (고로 여기서 아날로그 따위의 말을 얹는 것은 그야말로 무용하며 더 나아가 무지하다) 당장은 무작정, 혹은 무차별적으로 "어디론가" 회귀하고 있다고 밖에 말할 수 없다.

복고나 향수가 아니라, 말 그대로 회귀다. 물론 '토토가' 역시 90년대 TV 영상 문화 뿐만 아니라 그것의 기술적 조건들 - 4:3 비율 화면, 투박한 CG와 타이포그래피 - 까지 재현하긴 했으나 그 재현이란 것을 어디까지나 일시적으로 수행하며 이런 기획의 지속 불가능성을 인정하고 재빨리 현재로 돌아가(려)던 것과는 달리, 리부트되는 최근 애니메이션들의 재현은 거시적으로는 n기를 제작하며 지속 가능한 기획으로서 자리매김하고 있으며 미시적으로는 과거의 서사에 대한 재현 자체를 자신의 근거로 삼고 더 나아가 존재 양식으로 삼고 있다. 예컨대 본편의 타임라인을 기준으로 그 전 혹은 그 후를 배경으로 하는 작품들. 과거를 향해 뚫린 구멍 자체가 이 시대에 '새로운' 문화 모델의 통로로 작동하고 있다. 

그런 점에서 2014~5년에 공개된 바 있는 <디지몬 어드벤쳐 tri.>와 <미소녀 전사 세일러 문 크리스탈> 1, 2기의 상대적인 흥행 실패와 저평가는 사실 이상한 사태가 아니라 당연한 흐름이라 봐야한다. 두 작품을 둘러싼 시청자들의 불평이 주로 원작의 작화와 캐릭터 묘사와의 불화에 집중된 것은, '오타쿠'들이 세계관 설정과 '귀여운'(可愛い) 작화에 집착하는 것을 염두에 두더라도 과잉에 가까운 반응이었다. 심지어 어떤 이들은 원작의 그림체를 따와 저 리부트들의 그림체를 '수정'하기도 했다. 원작의 디테일의 재현에 대한 집착. 달리 말하자면, 과거의 '세계관'에 대한 일종의 부정의 시도가 역으로 부정당한 것이다. 차라리 이 현상을 작동시키는 핵심은 과거를 긍정하라는 주문이 아니라, 과거밖에 없다는 주문이다. 아무래도 이 주문은 제작자와 수용자 양측 모두에게 내파된 듯 하다.

무엇보다 주목해야 하는 것은, 이 시대의 가장 새로운 '매체'(로 오인받는) 넷플릭스 역시 <데빌맨>으로 이 판세에 뛰어들었다는 데에 있다. 그리고 2020년에는 테즈카 오사무의 원작 <지상 최대의 로봇>을 우라사와 나오키가 재구성한 <PLUTO>가 8부작 애니메이션화된다. 점점 더 많은 애니메이션들이 리부트되고, 그 대상은 점점 더 과거를 향하려하며, 새로운 매체들은 이를 '새로운' 양식으로 이용하려 한다. 그렇다면 이 회귀는 어딘가 막다른 길에 다다른 애니메이션, 혹은 더 나아가 영상 매체들의 발악인가? 

잠깐, 당연하지만 이 글은 이 현상을 부정하기 위해 쓴 글이 아니다. 만약 그렇게 독해했다면 당신은 나의 논점으로부터 지나치게 멀리 나가려고 하는 것이다. 이 현상 자체가 어떤 묵시록적인 위협이 되리라고는 생각되지 않는다. (나는 지금 정성일의 <아바타> 비평을 생각하며 말하는 중이다) 허나 무턱대고 긍정하려는 것 역시 아니다. 다만 나의 우려는 갈수록 이런 애니메이션들이 늘어나, 징조에 그치지 않고 회귀라는 현상을 이룬다는 데에 있다. 이것들은 지금 자신의 새로운 길과 좌표를 설정하지 못한 채, 과거를 자신의 존재 양식으로 삼아버리는 과도기에 있는 것일까? 

(본 글은 지난 2016년 전주국제영화제에서 이 영화를 단 한 번 본 이후 다시 보지 않은 상태에서 9개월만에 기억을 더듬으며 쓴 글입니다. 몇몇 부분이 '누락된 숏'일 확률이 높음을 감안하고 읽어주십시오.)

후미의 소개로 '이상한' 워크숍에 참여한 준 일행이 워크숍 뒤풀이에 참여한다. 워크숍의 '이상함'의 의도에 대한 얘기로 시작해 한참 잡다한 수다가 오가던 도중, 마찬가지로 워크숍에 참여했(으며 자판기 앞에서 사쿠라코에게 플러팅을 했다가 퇴짜를 맞자 그냥 아는 사이라도 되자는 의도였다는 되도 않는 구라를 치며 되려 사쿠라코를 힐난하는 등 한심하고 찌질하게 굴었)던 남자 카즈마가 상대의 외도에 의해 이혼했던 경험을 문득 털어놓으니 그와 같은 경험을 했던 아카리가 거기에 동조해 열을 낸다. 곧이어 준이 갑작스레 자신이 외도를 저질렀으며 현재 이혼소송 중임을 고백한다. 순식간에 공간을 채우는 배신감과 당혹감의 공기에 뒤풀이 자리가 험악해진다. 당연하지만 여기까지의 대화는 계속 180도 가상선에 의거한 O.S. 숏으로 이어진다. 이 때 준을 향해 갑작스레 정면 단독 숏이 들어온다. 그녀의 시선은 잠시간의 동요에 제자리를 못 찾다 정면의 카메라를 향한다. 자신을 들여다보이는 듯한 당혹감과 그녀의 시선이 대체 극 안에서 어디를 향하고 있는가 하는 궁금증이 막 생겨날 즈음 그녀에 시선에 대한 리버스 숏이 들어온다. 리버스 숏의 주인공은 해당 워크숍의 강사 우카이로, 그의 시선 역시 정면의 카메라를 향하고 있다. 그렇다면 이들은 서로를 바라보고 있는 것인가. 하지만 '인물들이 서로를 바라보고 있다'라고 관객들을 납득시키기 위해선 이 이전까지 써온 O.S. 구도를 여기서도 쓰는 게 더 적합하지 않을까. 

영화에서의 루틴, 혹은 제도라고 해야 할까(아카리라면 '기준'이란 단어를 쓰자고 했을지도?), 영화를 찍는 이들의 의식 깊이에 '이 순간은 이렇게 찍어야만 한다'고 새겨져있는 영화 문법이 있다면 180도 상상선에 기반을 둔 O.S.의 숏-리버스 숏 구도가 그 대표적 사례일 것이다. 숏-리버스 숏 구도는 인물 간의 심리극을 카메라의 각도와 인물의 위치의 조정을 통한 가시적인 대면극으로 묘사해, 시선의 교착에 있어 상대의 얼굴을 향하는 초점을 직접 찍을 수는 없다는 영화의 한계를 은폐하고 극적 상황이 구성 숏으로 나뉘는데서 오는 위화감을 최대한 억제하기 위함이다. 이를 위해 최소 두 명의 인물이 프레임 안에 있어야 하며, 설사 카메라가 한 명만 포착한다고 해도 관객이 영화를 안정적으로 보는 자신의 자리를 위협받지 않도록 카메라 바깥에 있을 상대의 위치를 향해 각도를 틀어야함은 당연한 전제다. 하지만 어떤 감독들은 제도로서의 180도 규칙을 지양하는 방식으로 '영화'에 맞서왔으며, 이 계보는 (오즈 야스지로가 시초라는 데이빗 보드웰의 착각과는 달리) 꽤 오래되었다. 이를 테면 고전기 할리우드 감독들(대표적으로 빈센트 미넬리)은 초기 유성 영화의 기술적 체계의 조악함을 감추기 위해 숏-리버스 숏 구도보다 미디엄 숏의 무빙-롱 테이크나 투 숏 위주의 씬 진행 중간에 한 인물의 단독 숏을 끼워넣는 방식을 선호했으며, 특히 존 포드의 경우에는 어쩔 수 없이 숏-리버스 숏 구도로 찍어야 할 때엔 - 예컨데 <청년 링컨>의 강변 씬처럼 - 안정적인 180도 상상선을 대담하게 파괴하며 영화의 파열점을 과시적으로 끌어안으려 했다. 혹은 (스트라우브-위예가 영향을 받은 게 분명한)공간 안에서 인물 각자가 배정받은 방향과 위치를 유추할 수 없는 '평탄한' 각도의 숏들을 연결하거나 시선을 허공에 집중시키는 방식으로 시공의 원근을 평면화해, 마치 인물들이 고해성사에 가까운 독백을 하는 듯 보이게 하는 사샤 기트리와 마노엘 드 올리베이라는 또 어떤가. 

나는 지금 O.S.의 숏-리버스 숏 구도를 부정하는 기법들만이 훌륭하다고 주장하려는 게 아니라, 그저 관습이고 편리하며 '제도'라는 이유만으로 숏-리버스 숏 구도를 간편하게 남용하는 영화들에 의문을 제기하려는 것이다. 시선의 작동만큼 (아무리 벗어나려 한들 결국엔 '시각' 예술인)영화의 본질을 건드리는 테마는 없다. 이에 대한 위기의식 없이 180도를 그리고 이에 맞춰 인물을 배치하고 카메라를 이리 옮겼다 저리 옮겼다 하는 것은 얼마나 '안전'하며 더 나아가서 태만한가. 그러니까 이 구도를 '제도'의 편의를 넘어서 시선의 한계점에 대항하는 방식으로 쓰고자 한다면, 숏-리버스 숏 구도가 세계를 이분법적으로 분열시키는 방식임을 이해하고 이를 바탕으로 숏-리버스 숏 구도를 구현하거나(최근의 개봉 영화 중 이를 제대로 이해하고서 밀어붙이던 영화는 제임스 맨골드의 <로건>과 구로사와 기요시의 <크리피>였다) 다른 (기술적)방식으로 숏-리버스 숏을 구현함으로서 기존의 것과는 다른 '정치적' 효과를 창출해낼 수 있어야 한다. 내가 <해피 아워>를 보고 받은 감동은 바로 여기서 기인한다. 하마구치 류스케는 <해피 아워>에서 이 두 방식 사이를 가로지르며 두 개의 '제도'를 부수는, 숏-리버스 숏 구도의 정치성을 탐구하는 영화 작가의 계보에 자신의 이름을 적으려 하고 있다. 

이 두 개의 '제도' 중 하나는 영화 기법에의 제도로서의 180도 규칙 - 더 나아가 시선의 교착 - 이며, 다른 하나는 현실 사회의 제도로서, 개인을 억압하는 관습이다. 그리고 하마구치 류스케는 이 두 제도가 영화 안에서 서로 교차하고 있다고 생각한다. 더 정확히 말하자면 180도 규칙이 개인을 억압하는 현실의 악습을 답습하고 있다 생각한다. 180도 규칙의 '제도'라고 했을 때, 이는 (위에서도 말했듯)가시적인 초점극으로서의 화면 구현을 위해 화면 안에 2인 이상이 있어 서로에의 대면을 확실히 드러내고 있어야 한다는 상황을 두고 하는 말이다. 이 때 인물들간의 시선의 교착은 인물들을 주변으로 카메라가 그리는 영화의 원의 '형상'에 대해 상대가 바깥으로 밀려나는 것, 곧 감정선의 단절을 방지하는, 일종의 구심력 역할을 하는데, 이는 이 구도가 시선의 교착을 매개로 한 '연대'의 장으로서의 화면을 형성하게 만든다. 하마구치 류스케의 근심은 바로 180도 규칙에서 드러나는 이 '연대'의 부정적 표출을 향하고 있다. 여기서 말하는 '연대'의 부정적 표출이란 무엇인가. 개인의 고통이 그 고통 자체로 독립적으로 형성되지 않은 상태에서도 기어이 복수의 인물들을 끌어들이며 타인과의 시선의 교착을 매개로 한 '공감' 속에서 고통을 은밀하게 희박화함으로서 모순과 갈등을 은폐하고 억압하는 환경-제도가 그것이다. 아무리 긍정적인 의도를 품고 있다 한들, 종종 '연대'라는 것은 이런 파시즘적인 결과를 낳기 마련이다. 준이 자신의 외도 사실을 그룹에 알리지 못했던 것은 하여튼 이 그룹의 연대를 유지해야 한다는 무의식 때문이 아니었을까?

오프닝 시퀀스에서부터 영화는 케이블카의 등방향성과 안개 낀 산의 정자에서의 피크닉 씬에서 각각 아카리와 후미, 준과 사쿠라코로 나뉜 의자의 위치와 이를 (경직된 듯 보인다는 의미에서)'정직하게' 포착하는 숏-리버스 숏 구도를 통해 이후 영화가 본격적으로 제기할 180도 규칙에 대한 이의 제기, 혹은 더 나아가 시선의 문제의 테마티슴을 수줍게 언지해주고 있다. 아직 준의 '비밀'이 밝혀지기 전이며 사쿠라코만이 이를 알고 있었음을 염두에 둔다면, 이 '상식적'으로 진행되는 숏-리버스 숏 구도는 처음부터 4인방 내부의 관계를 인물의 위치와 숏-리버스 숏 구도의 운용을 통해 드러낸 것임에 틀림 없다. 그렇기에 그들은 준이 '비밀'을 밝히기 전까지는 (이를 테면 워크숍 시작 직전에) 서있어야 할 필요가 있는 상황에서 서로의 시선을 맞댈 수 있는 원형의 구도로 서고, 그 이후 함께 온천 여행을 갔을 땐 등방향성의 직선의 구도로 서고 걷는 것이다. 혹은 준이 행방불명된 직후의 회동에서 사쿠라코가 떨리는 목소리로 자신의 '기준'을 중요시하는 아카리의 독선적인 면모를 힐난하며 자신의 속내를 털어놓을 때, 카메라는 그녀의 단독 바스트 숏을 핸드핼드로 포착한다. 처음으로 사쿠라코에게 허락된, 혹은 그녀가 받아들인 '연대' 없는 단독 숏(사실 이 때 화면 구성이 지나치게 심리적으로 흘러가려는 게 아닌가 하는 불안감이 생기기도 한다). 하지만 사쿠라코의 이러한 결단을 이해하지 못한 채, 자신에 대한 비난에 분개해 사쿠라코의 힐난을 받아치는 아카리의 리버스 숏은 냉정하게도 픽스-O.S.다. 시선의 교착과 제도화된 180도 규칙을 거부하는 방식으로 그룹의 연대를 부정하려는 사쿠라코의 '불화' 시도는 아직 이 연대의 제도에 무의식적으로 연연하며 180도 규칙을 고집하는 아카리에게 받아들여지지 않으며, 그렇기에 서로의 태도를 수긍하고 차이를 긍정할 수 없는 이들은 결국 연대의 체제를 의심하고 토론할 자리를 마련하지 못한 채, 불화만을 남기고 이 회동을 파하는 것이다. 제도로서의 180도 규칙의 숏-리버스 숏 구도가 사용되는 다른 순간들에서 볼 수 있듯, <해피 아워>의 대부분의 인물들은 (그 나이와 사회적 위치에도 불구하고, 혹은 그것으로 인해) 집단 너머의 '개인'으로서 온전히 자립하지 못했기 때문에 시선의 교착으로 지속되는 연대에 무의식적으로 집착하며, 이 '온전한' 원의 형상에 균열을 일으키려는 행위에 적대적인 자세를 취한다. 카페에 갈 때만 해도 분노의 무게를 발에 힘껏 실은 듯 빠르게 걷던 아카리가 이 회동 이후 (평소에도 덤벙대는 편인) 직장 후배 유즈키를 필요 이상으로 힐난하다 계단에서 넘어지는 바람에 왼발을 크게 다쳐 - 계단은 영화 속에서 또 다른 파국의 단초로 작용한다 - 남의 도움 없이는 제대로 처신을 못하게 된 것은 관계의 무게중심에 대해 자신의 '기준'을 지나치게 고집한 결과일 것이다.^[각주:1]

여기서 이상해지는 것은 준의 (전)남편 코헤이의 극적 위치이다. 준이 행방불명되기 전까지 그는 말로만 존재하거나(워크숍 뒤풀이), 화면 안에 있어도 직접 인물들과 시선을 교환하거나 말을 섞지 않거나(법정), 심지어는 직접 말을 하고 행동을 하더라도 역광에 의해 까만 물체가 되어 제대로 된 '얼굴'을 부여받지 못하는(준의 집) 등 화면 속의 '개인'으로서, 스스로의 시선을 작동시킬 수 있는 캐릭터로서 존재한 적이 없으며 준이 행방불명된 직후에야 그룹의 회동에 참여해 주체적인 본연의 얼굴과 시선을 지닌 캐릭터로서 등장한다. 이 남자는 이미 자신에게 심적으로 '죽임을 당한' 준이 끊임없이 자신을 거부함에도 끊임없이 재결합을 요구하는, '연대'에 집착하는 부류가 아니던가. 그리고 그의 캐릭터성을 지우는 방식엔 분명 그의 존재를 부정하려는 시선이 엿보인다. 그렇다면 이는 '준이 영화 속에 있는 한 코헤이 당신은 영화의 '캐릭터'가 되어선 안 된다, 타인과 조금의 연대의 기미도 보여선 안 된다, 당신의 입장을 듣는 건 준이 영화 바깥으로 나간 이후로 족하다' 라는, 영화가 다루는 문제의식 이전의 '원론적인 문제'에 대한 하마구치의 비판적 결단이라 봐도 무방하지 않을까. 

180도 규칙의 (가짜) 연대와는 또 다른 방식의 연대가 <해피 아워>에 있다. 영화는 종종 워크숍이 진행되는 강당, 지하철역의 벤치, 자가용 차 안, 버스 안, 법정, 절벽을 앞에 둔 길거리, 낭독회, 클럽, 바다를 앞에 둔 테라스의 벤치 등 시선의 등방향성이 전제되는 공간에서 주요 사건을 진행시키는데, 이 공간의 나열에서, 이 영화가 취하는 등방향성의 사건/공간 대부분이, 복수의 사람들의 시선이 상황 안에서 펼쳐지는 하나의 퍼포먼스를 향하기 위한 기능-공간임을 유추하는 것은 어려운 일은 아닐 것이다. 그러나 <해피 아워>가 다루는 건 퍼포먼스와 이를 바라보는 관객간의 (히치콕식의) 시선의 윤리학이 아니라, 하나의 퍼포먼스에 시선을 고정시키는 다수의 관객들간의 관계, 즉 평행의 시선의 물리학이다. 하나의 퍼포먼스 앞에서 같은 벡터의 평행한 등방향성을 취하는 관객들은 같은 것을 바라보며 비슷한(같을 수는 없다) 감정을 공유하는 일시적인 연대 관계에 있으나, 퍼포먼스에서 시선을 오랫동안 떼거나 감정을 과도하게 분출하는 것이 이 일시적 관계의 유지를 위협함을 알기에, 4인방이 준의 재판에 방청객으로 참여해 준의 자리에서 준이 처한 사태를 직시하려하던 것처럼, 또는 절벽 앞에서 후미의 남편 타쿠야가 그의 담당 작가 코즈에와 다정히 계단을 내려가는 광경과 마주쳤을 때 후미를 제외한 일행이 그 광경 안으로 개입하는 대신 평정을 가장한 채 그 자리에서 벗어나려 했던 것처럼 시선의 평행선에 대해 강도를 약화한 감정의 내용을 매우 경미한 진동에 실어 전한다. 

하지만 이 평행 시선의 직선의 연대는 한 지점에 대한 시선의 부자유스런 집중을 필요로 하며, 파국의 징후에 대해서도 연대에 위협이 되지 않는, 매우 소극적인 제스쳐밖에 취할 수 없다는 점에서 180도 규칙의 원형의 연대에 대한 완전한 대안은 될 수 없다. 낭독회에서 타쿠야가 코즈에를 향해 애정어린 시선을 보내는 걸 보고 있음에도 당장 아무 대응도 하지 못하는 후미의 어정쩡한 위치는 이 연대의 맹점을 여실히 보여주고 있다. "무게를 느끼지 않기 때문에 오히려 중심을 잃어버릴 때가 있습니다. 그것(중심)을 기여코 되찾기 위해서 자신과 소통하는 이들을 놓치지 않으려는 고집을, 모두 되풀이하고 있지는 않을까요."라는 우카이의 말이 일러주듯, 혹은 의자의 무게중심을 찾기 위해 의자를 잡아 흔들거나 몸을 시계추처럼 좌우로 움직여 신체 중심선을 찾아내는 그의 작업이 보여주듯 일반적으론 과잉으로 보이는 어떤 움직임이나 반동, 즉 (일탈이 아닌) 파국과 간극의 긍정없이 주체로서 제대로 된 중심을 잡기란 불가능하다. 그렇기에 <해피 아워>의 인물들이 무의식적으로 취하는, 그 자체로서 안정의 형태를 추구하는 연대는 파시즘적(!)인 무언가로 묘사되는 것이다. 그렇다면 이제 절규하듯 질문할 수 밖에 없다. 도대체 그 위선에, 가짜 연대에 매몰되려는 유혹에 빠진 이들은 어떻게 거기에 저항할 수 있는가?

4인방의 '가짜' 친밀함을 드러내는, 초반부 정자 씬에서의 숏-리버스 숏 구도는 이후 단체 온천 여행에서 마작을 하던 도중 타자의 상태로 돌아가 첫 인사를 나누는 순간 개개인에게 올바른 상상선을 비튼 정면 원 숏을 할애해 숏 내부에서의 시선의 연결을 원천봉쇄하는 것으로 대체된다. 여기서 카메라 너머의 허공을 향하는 말과 시선은 그 어떤 '올바른' 형상으로도 정의내릴 수 없는, 위태롭게 분열된 형태를 형성한다. 그러나 구도의 붕괴처럼 보이는 이 연결이 곧 재설정된 구조라면? 이 거친 연결이 제도가 암묵적으로 요구하는 연대의 '올바른' 형상, 즉 카메라의 쌍방향성의 원형이나 집중성의 직선 따위를 폐기하기 위한 방법론이라면? 이 구도의 구조가 바로 <해피 아워>의 핵심, 다시 말해 하마구치 류스케가 제안하는 연대의 양식이다. 위에서 나열했던, 영화가 취하는 등방향성의 상황들을 다시금 떠올려보자. 준이 사쿠라코의 남편 요시히코와 차 안에서 대화를 나눌 때 그들은 등방향성을 취했고 자가용 자동차라는, 육체의 방향의 부자유가 담보되는 공간에 있었으므로 평행 시선의 직선의 연대를 형성하고 있다고 쉬이 말할 수는 있을 것이다. 그런데 요시히코는 준에게 "사쿠라코와 가까이 지내지 말아주겠어"라는 잔혹한 주문을 고할 때 준은 이를 기꺼이 수긍한다. 이 대화는 기존의 연대를 붕괴시키려는 말이지만, 이상하게도 그들 사이엔 연대라고 할 만한 감정의 유대 - 사쿠라코를 생각하는 마음일까? - 가 희미하게 유지되고있고, 그렇기에 준은 일말의 반발 없이 요시히코가 제안하는 붕괴를 받아들인다. 이 순간의 연대는 어떻게 가능한가? 

영화 속의 다른 시선의 연대들과는 달리, 그들이 취하고 있는 연대에는 시선의 집중성이나 교차성이 담보되지 않았다. 보다 정확히 말해, 시선은 작동하지만 서로를 보다 정확히 지각하려는 감각으로서의 기능을 다 하고 있지 않다. 시어머니와 함께 거리를 걷는 순간 역시 마찬가지다. 그들은 함께 걷고는 있지만 시선을 마주할 필요는 없는 평행의 걸음을 취함으로서 전에 없던 유대를 경험한다. 엄연히 자신과는 다른 상대를 자신의 시선과 숏의 영역 안으로 끌어들여 자신의 '기준'으로 이해하고 판단하려는 시도를 폭력으로 판단해, 각자의 개별성을 단단히 응고시킨 상태에서 허공을 향한 '뒤틀린' 시선을 작동시켜 숏-시선-개인간의 단절된 연결 상태 그 자체를 연대의 형태로 재설정하려는 순간 연결은 간극의 긍정을 통해 부재하는 대상을 지시하며 끌어오는 힘을 지니게 된다. 뒤풀이 씬의 구조 안에 준과 우카이의 정면 숏의 연결이 태연하게 들어갈 때, 지금껏 열띠게 진행된 모든 대화가 요설이 되어버리고 오직 두 단독 정면 숏의 묵묵한 연대만이 단단히 남아 '폐허'를 이루어 준의 (모든 관계를 0으로 돌린다는 점에서) 파국적인 미래를 암시하는 것이다.^[각주:2] 숏-시선-개인의 연대는 단순한 인물과 카메라의 위치 조정을 넘어 관계의 무게중심을 세우기 위한 반동과 그 장, 다시 말해 파국과 폐허를 긍정할 때에만 가능하다. 아카리가 병원 테라스에서 후미와 마주할 때, 억지로 후미와 시선을 교환하려 하지 않고 그녀의 뒤에서 조심스럽게 대화를 시작하려 하는 제스쳐는 드디어 아카리가 연대의 양식을 바꾸었다는 증거일 테다. 즉 과거의 '상식적'인 연대, 이해와 공감에 그 바탕을 두고 시선의 교착 혹은 집중을 매개로 이루어지던 연대는 지금 우리에게 걸맞는 연대의 양식이 아니며, 이를 거부하고 파국의 반동을 긍정해 본래의 개별성을 지킨 상태로 관계에 임하는 것이야말로 지금 우리에게 필요한 연대의 양식이라고 <해피 아워>는 우리에게 가르쳐주는 것이다. 

여기서 나는 문득 우카이가 3.11 이후 폐허가 된 토호쿠 지역에서 처음 자신의 '활동'을 시작했다는 걸 상기하고, 하마구치 류스케가 3.11 이후를 '개인적으로' 관통한 영화 작가라고 확신하게 된다. 3.11을 관통했던 동시대 다른 영화 작가들이 - 구로사와 기요시의 <속죄>, 아오야마 신지의 <속죄 소나타>, 소노 시온의 <두더지> 등 -  3.11을 통해 절망적인 세대론이라는 거시적 현실을 보았다면, 직접 토호쿠로 건너가 3.11 이후를 버티는 개인들을 인터뷰하는 다큐멘터리 3부작을 찍었던 하마구치는 우리 눈 앞의 모든 것이 붕괴 전야에 처해있음을, 그리고 그 속에서 살아가야한다는, 다분히 개인적인 현실을 보았다. 그리고 <해피 아워>는 다큐멘터리 연작 이후 그의 첫 장편 극영화다. 그런 의미에서 <해피 아워>라는 제목의, 혹은 5시간 38분에 달하는 기나긴 러닝타임의 의미는, '너'와 '나'라는 단어 사이의 간극을 긍정함으로서 다시금/제대로 맞춰질 관계의 균형을 위해 기약없이 지속되는 반동과 그 기류가 형성하는 ('폐허' 위에서의) 기다림의 시간이 아닐까. 

+

<루이 14세의 죽음>, <설리>, <당신자신과 당신의 것>, <해피 아워> 등 2016년의 영화들이 한 발이 불구 상태인 이들을 다루며 무의식적인 공명을 이루고 있다는 사실은 매우 흥미롭다. 물론 <설리>의 경우에는 좀 다른 방식이고, 그것이 <설리>를 정치적으로 반동적인 영화로 만드는 게 아닌가 싶기도 하다.

왜 한국에서 이 영화를 본 누구도 안토니오니의 <모험> 얘기를 안 하는지 의문인데(일본인 친구들은 오히려 리베트 대신 카사베츠를 언급했다), 물론 거의 리얼 타임으로 진행되는 후반부나 <아웃 원>을 연상시키는 워크숍 씬과 뻔뻔하게 초현실적인 항구 씬 혹은 계단의 사용 방식에선 확실히 리베트가 떠오르고 무내용적이라 할 만큼 단순한 내러티브를 견인하는 걸 넘어 영화의 결을 다층적으로 만드는 대화의 쉼 없는 연쇄에선 분명 로메르가 떠오르긴 하며 허나 무엇보다 크게 드리운 건 오즈와 나루세의 그림자이지만 이 영화는 '세계 이후의 세계'를 다루는 방식과 (영화 중반에 불가해한 실종으로 스스로를 내던지는 준이 아니라)마지막에 홀로 남은 아카리의 뒷모습에서 암시되듯, 이젠 어느 정도 고리타분해진 <모험>의 도덕과 화해의 테마의 개정판으로서 받아들여질 필요가 있다.

시미즈 히로시부터 이구치 나미에 이르기까지, 오랫동안 여러 일본 영화들은 물이 평면 위에 범람하는 공간, 즉 바다를 생의 공간이라기보단 저승으로의 경계로 묘사해왔으며, 많은 인물들은 바다 앞에서 바다에 둘러쌓인 채(이상하게도 그들은 바다를 의식하지 않는 듯 보인다) 바다 너머로 떠날 작은 의식을 수행했다. 말하자면 범람하는 물의 시학은 곧 별리의 징후 그 자체였다. 그런데 <해안가로의 여행>에서부터 뭔가 이상해졌다. 우리가 볼 수 있는, 경계로서의 물의 범람은 광활한 평면인 바다가 아니라 작은 폭포에 불과하고, 이 역시 소년의 디에게시스로는 '떠나는 공간'으로 묘사되긴 하나 미즈키의 아버지가 잠시 이승으로 돌아와 미즈키와 대화를 나누는 순간을 생각해보면 꼭 그렇지도 않다. 최후반부, 최후의 목적지인 해안가에 이른 부부가 마지막 대화를 나누는 씬을 돌이켜보면 여기가 해안가라는 것을 명징하게 드러내는 시각적 기호는 시야에서 가려져있으며(그들을 축으로 원형을 그리는 트래킹은 바다를 섬세하게 가리기 위한 방식이 아닐까?), 해안가다운 파도 소리와 갈매기 소리라는 청각적 기호만이 고조되어, 망자인 유스케가 떠나간 후 그의 흔적들을 불태운 미즈키가 해안가를 뒤로 할 때에야 비로소 바다는 자신의 모습을 멀리서, 조심스레 드러낸다(<동경 이야기>와 <산쇼 다유>에 대한 재해석일까?). 어느새 바다는 명징한 '죽음' 앞에서도 스스로의 모습을 확고히 드러내길 거부하며 경계로서의 자신의 역할을 거부하기 시작했다. <해피 아워>에 이르러 바다는 꿈(으로 보이지만 정말 꿈일까)에서만 자신의 모습을 확고히 노정시킬 수 있을 정도로 차안에서 떨어진 초현실의 공간임이 드러나나, 마지막에 이르렀을 때 바다는 관객의 시각에서 멀리 떨어져있으며 인물의 시선에서도 자유로운, 그저 화면의 한 켠을 소소하게 장식하는 하나의 직선에 불과해진다. 대체 무슨 일이 있었나. 이것은 3.11 이후의 징후일까? 하지만 3.11의 징후라면 오히려 바다는 더더욱 경계로서 자신을 드러내야 하는 게 아닌가? 이제 일본 영화에서 바다는 어떻게 스스로를 드러낼 것인가? 이는 현재 내가 천착하고 있는 물의 스크린성이란 주제와 매우 밀접하다. 

1.

영화의 최후반부, 우리는 자신에게 사랑을 고백한 캐롤과 헤어지고 파티장에 온 테레즈가 누가 봐도 레즈비언임이 확실히 암시되는 여성과 얘기를 나누는 그 짧은 순간을 포착할 때 감독이 카메라를 건물 밖으로 내보냄으로서 어둠 속에서 좌측 창에는 테레즈와 그 여성이, 우측 창에는 헤테로 커플만이 보이도록 배치한 것을 보았다. 시나리오에 쓰여진, '테레즈가 누군가와 얘기를 나누고 있다'는 서사적 기획 그 자체만을 카메라에 포착하고자 했다면 카메라를 건물 밖으로 내보내는 등의 수고스런 일을 할 필요는 없다. 그렇다면 이 때 토드 헤인즈가 이 수고스러움을 감수하곳라도 강조하고자 한 것은, 우리가 집중해서 보아야하는 것은 무엇인가. 우측의 헤테로 커플은 자신들 사이에 있는, 세로로 길게 난 사변형의 창틀이란 경계를 상대적으로 자유로이 넘나드는 반면, 테레즈와 그 여성은 자신들 사이에 있는 창틀을 결코 넘지 않는다는 사실이 바로 그것이다. 심지어 그 여성이 테레즈에게 조금이라도 더 가까이 다가가려는 듯 손을 휘젓는 제스쳐를 취하자 테레즈는 창틀 안 쪽을 향해 살짝 뒷걸음질을 친다. 이 바로 다음 숏에서 테레즈가 홀로 갑갑한 화장실에 틀어박힌다는 것을, 그리고 결국엔 테레즈가 캐롤을 선택한다는 것을 염두에 둔다면, 여기서 창틀의 사각형이 그 여성과 테레즈 사이의, 결코 좁혀질 수 없는 심리적인 간격에의 경계로서 작용한 게 아닐까?(지금 막 든 생각, 거시적으로 볼 때 이 때의 창틀은 성적 지향에의 프레임, 혹은 당대의 사회적 현실에의 프레임으로 작용한다고 볼 수도 있겠다)

이렇게 경계로서 작용하는 사각형은 <캐롤>의 곳곳에 숨은 채 관객에게 은밀하게 인물의 심리 상태를 언지해준다. 파티장에서의 시끄러운 소외를 견디지 못해 홀로 베란다에서 담배를 피던 캐롤과, 그 옆에 다가와 캐롤을 귀찮게하던 노부인 사이에 창틀이 있으며, 노부인이 캐롤에게 다가가려하는 순간 캐롤은 살짝 뒷걸음질치며 창틀 안으로 숨어든다(이 순간은 위에 언급한 숏의 운동을 미리 제시했다 봐도 무방할 것이다)는 게 그 예 중 하나다. 캐롤에게 노부인의 제스쳐는 함부로 나의 창틀, 나의 세계에 침입하려는 무례함으로 받아들여진 것이다. 개인의 심리적 경계로서의 사각형은 영화 속에서 이렇게 지속적으로 강조된다. 캐롤과 테레즈가 이별한 후 캐롤이 운행중인 택시 안에서 창틀에 갇힌 채, 즉 이중의 사각형에 갇혀 창 밖에서 어딘가를 향해 걸어가는 테레즈를 애절하게 바라보는 순간(재밌는 것은 영화 초반부에 테레즈가 이와 똑같은 행동을 취해 영화가 반전 구도를 만들고 있다는 점이다)은 또 어떤가. 

문 역시 사각형이기에 다르지 않은데, 이를 테면 테레즈가 캐롤의 집에서 처음이자 마지막으로 하지를 만나는 씬에서, 하지와 캐롤은 부엌에, 테레즈는 거실에 배치된 상태에 카메라가 (서로를 걸지 않고)두 상황을 각각의 문턱이라는 사변형에 따로 가둬놓는데, 이 때 심리적 경계으로서의 문턱(과 서로를 거의 충돌시키듯 이어가는 쇼트)은 캐롤&하지/테레즈가 서로에 대해 고립되 보이게 만들어 이들의 간극에 좁혀질 기미가 없음을 시사하고 있다. 고로 그 직후 하지가 집에서 나가기 위해 부엌의 문턱을 넘어 감히 테레즈의 문틈을 침범할 때 테레즈가 하지를 피해 뒤로 살짝 물러나는 것은 그 행동이 자신의 심리적인 사각형을 하지라는 침입자로부터 지키기 위해 테레즈가 당장 취할 수 있는 최소한의 방어 대책이기 때문이다. 

영화에서 사각형의 긴장이 가장 흥미롭게 발현되는 순간은 리차드와 테레즈가 결별을 선언하는 때인데, 여기서 말하는 흥미로움이란 이 씬에서 단 한 번도 둘이 같은 방에 속한 적이 없다는 사실에서 발생한다. 리차드가 다소 폭력(물론 남한에서라면 폭력적이라고 할 수도 없을만큼 단정하다만)적인 태도로 자신과는 다른 방에 있는 테레즈를 쫒아 그 방에 들어서는 순간 테레즈는 마치 꼬리잡기를 하듯 순식간에 리차드가 속한 방과는 다른 방으로 도망친다. 이런 꼬리잡기가 몇 번 반복되어 마침내 리차드가 안방에서 테레즈를 따라잡았을 때조차 테레즈는 리차드가 속한 청녹색으로 칠해진 벽지에서 뒤로 살짝 물러나 또 다른 사각형, 즉 무채색의 하얀 벽으로 도망쳐 그와 자신의 심리적 경계를 확고히 한다. 이는 테레즈가 할 수 있는, 자신의 사각형을 침범하는 이에 대한 최대한의 방어인 것이다. 

그런데 테레즈가 텅 빈 신문사 안에서 시네필(이름이 기억 안 난다;)과 키스할 때는 내가 위에서 열거한 사례들과는 다르다. 물론 이 때 역시 심리적 경계로서의 창틀이 둘 사이를 견고하게 가로막고 있으며, 분명 그 시네필은 테레즈의 창틀을 갑작스레 침범한다. 그럼에도 이 씬은 매우 단정하고 낭만적으로 찍혀있다. 적어도 이 장면에서 큰 거부감을 느꼈다는 사람을 만나본 기억이 내겐 없다. 이것은 남성을 철저하게 배제하는 본작에서 남성-여성간의 육체적 관계가 거의 유일하게 긍정적으로, 멜로 드라마다운 관능성을 품은 채 표현되는 순간이다. 그렇다면 이 때의 긍정은 어디서 나오는가. 사실 아주 단순하다. 테레즈가 그를 거부하지 않기 때문이다. 내가 위에 열거한 사례들은 테레즈 혹은 캐롤이 자신의 사각형을 침범하는 상대의 액션을 폭력으로 인지하고 이에 대해 부정적인 제스쳐를 취하는 경우다. 허나 이 씬의 경우 테레즈는 그 직후 그 자리를 떠나긴 하지만 시네필의 키스에 대해 부정적 의사를 표하지 않는다. 아니, 끝까지 그녀를 지지해주며 동시에 끝까지 테레즈가 호의적으로 대하는 남성은 오직 이 시네필 뿐이다. 사각형의 긴장이라는 영화 전체의 맥락 속에서 상대가 어떤 호의를 가진 채 접근한다 할 지라도 본인이 싫다면 싫은 것이다, 라는 보편적(이나 보편적으로 잘 받아들여지지 않는) 도덕을 토드 헤인즈는 여기서 보여주고 있다. 

이의 연장선상에서, 도청업자에 의해 여행을 중단하고 도시로 돌아가던 도중 캐롤이 운전을 멈추고 테레즈에게 안겨 오열할 때 카메라가 본래 있던 자리인 차의 측면에서 컷을 끊어 정면으로 옮겨간 것 역시, 차의 정면 유리에 붙어서 그 둘을 가로막고 있는 틀을 포착해 사각형의 긴장을 포착하기 위함에 다름 아니다. 고로 이 순간에 발화하는 아련함은 무엇보다 창틀에 대한 캐롤의 도약에서 나온다. 한 번도 테레즈와 자신간의 경계를 깨지 않으며 자신의 약한 마음을 드러낸 적이 없던 그녀의 첫 감정적 도약과, 내심 캐롤이 자신에게 기대길 바랐던 테레즈의 캐롤에 대한 포옹이 이 씬을 가슴이 미어지도록 촉촉한 순간으로 만드는 것이다. <캐롤>은 경계의 간극과 그 위에서 펼쳐지는 운동들을 통해 액션 만큼, 혹은 보다 리액션이 중요하다고 시각적으로 역설한다.